One of my greatest goals as a dance artist is to discover creative strategies and formal solutions capable of revealing an expanded and democratic notion of dance, in which dance occurs not only in the standard, thin, hard and muscular human body, but also in other bodies, including non-human ones, establishing other and different perspectives on what dance can be and the bodies that dance can have. And the naked, raw 3D body, stripped of all the social masks that make us up and hide us, seems to me to be one of the ways to free the body from certain standards.
I make art to reprogram the world. Currently, I create art to answer some specific questions, which guide my work: how to dance in Web 3.0? How to choreograph in the metaverse? How to reprocess the revolution sparked by the relationship between dance and 3D simulation? How can we show other bodies, other movements and other dances? As a dance artist, I seek creative answers to these questions by articulating dance and 3D, NFTs, web3 and metaverses, provoking a dialogue between the classic and the contemporary and reflecting on the future of Art and Dance.
I think that the work I do mixing the language of dance with animation and 3D simulation techniques, combined with very elaborate aesthetics and visuality, is unique in the context of digital art.
And my experience with dance gives me unique and exclusive skills around the body and movement.
I realize that until recently, one of the challenges in the relationship between art and technology was representing bodies in digital environments. However, we are now entering a new paradigm: that of the presentification of bodies in virtual environments. And it is exactly at this point that I, as a dance artist, play a fundamental, unique and exclusive role. Dance is a rich source of data on how bodies move, interact, express themselves and present themselves in space-time. While technology advances in the imitation of the human body-behavior, it is the artist who visualizes, creates, directs, reimagines and gives new meaning to this body and nourishes it with sensitivity and emotion.
The idea of “presence” is fundamental in dance, as it deals with the living and organic body as a support for the artistic work. To achieve this presence, dancers, choreographers and directors develop techniques capable of updating the body at the moment the work is created, so that it is intact, committed to the action, connected to the space and its stimuli.
In the digital environment and in the context of robots, there is also a search for this presence, in order to enable enhanced immersion and interaction. However, in this environment the bodies are different: they have no flesh or bones. They are soft, rigid, plastic bodies, pixels, machines, avatars, subject to different gravities, with hyperflexible joints and mutual interpenetrations. The question arises: how to give presence to these bodies? Dance, through its choreographic logic, offers a specialized approach for the emulation of physical presence, for the generation and training of updated and responsive digital and robotic bodies, endowed with weight, flow, speed, focus and volume, fundamental elements of this artistic language.
This search for the presence of bodies in virtual environments is closely linked to the future of relationships in the metaverse and the ways of coexistence with machines, in which the connection between the digital and the physical (phygital) will require different approaches to the body and its movements. . By bringing the fundamentals of dance to technological languages, I seek to produce new creative possibilities and reveal an expanded and democratic notion of both art and technology.
I believe these are the exclusive values connected to my work that may interest collectors.
NFTs are a new way to create, distribute and trade art. And this has been revolutionary for me and my work. Firstly, because the profusion of artistic creation with 3D technologies and NFTs has to do with a vital artistic need for expression, to talk to people, to be in the world, acting, creating, publishing, criticizing, and that dance, in its form more traditional, does not allow, and perhaps even emasculates, either due to the necessarily physical and face-to-face elements, or due to political-economic contingencies. Secondly, because the possibility of creating my own things, deciding when, where and to whom I want to sell, how much I want to charge, defining royalties, monitoring the movement of work and continuing to receive payments for subsequent sales made are actions that deconstruct and reconstruct my self-image as an artist, bringing necessary empowerment in a reality in which art is increasingly pushed under the carpet. In fact, these technologies have brought me closer to a goal that I have pursued for many years: “putting my dance on the Amazon shelf”. More than a commercial goal, it is, above all, the desire to popularize scenic/performative dance, to form an audience and to dominate the economic processes that involve artistic production. As these new technical possibilities allow dance to be understood and operationalized as an item, as a digital object, the possibilities also open up to place this object on shelves, market it and distribute it as a product, keeping the due specificities. This is one of the applications I have been making in these environments: using technologies to distribute and sell the artistic work I make in different marketplaces and communities.
I think that artists will increasingly play a crucial and indispensable role in the development of technology. The idea of “thinking outside the box” has been valued in recent years, especially in the field of innovation. For the artist, this mentality is not an option or an occasional strategy: it is the starting point of everything they do. The artist is, by nature and training, a questioner outside the box. Unlike other professionals, the artist does not need to leave the box, as he has never been inside it. He has always been on the margins, outside the center, looking at the world from a unique perspective, pushing boundaries and creating new territories.
Artists have the ability to subvert the status quo and question established norms-forms. While other industries focus on solving problems and developing specific products, artists challenge the purposes and functions of these solutions. Through divergent thinking, they allow the birth of disruptive ideas and alternative worlds, with different realities to be explored and reimagined. By programming this new vision, they influence the way people interact with the environment and understand their own reality.
Technological advances require complex ethical, social and emotional considerations, which artists are sensitively trained to deal with, which makes technical input more human and inclusive; bring to light important concerns, such as privacy, diversity, equity, authorship, intellectual property and environmental impact, sometimes neglected in the search for progress.
I see my work as an artist increasingly closer to these collaborative contexts in the development of technology to create innovative processes and products.
저의 무용 예술가로서의 가장 큰 목표 중 하나는 확장된 민주적인 무용 개념을 드러낼 수 있는 창의적인 전략과 형식적인 해결책을 찾는 것입니다. 무용이 표준적인 얇고 딱딱하며 근육질인 인간 몸뿐 아니라 다른 몸, 인간이 아닌 몸을 포함한 여러 몸에서 일어날 수 있도록 하는 것이며, 무용이 어떻게 될 수 있고 무엇을 할 수 있는지에 대한 다른 시각과 차별화된 관점을 수립합니다. 그리고 사회적 가려움막을 벗기고 우리를 감추는 모든 것으로부터 벗어난 매우 순수한 3D 몸은 특정 기준에서 몸을 해방시키는 한 가지 방법으로 보입니다.
저는 세계를 다시 프로그래밍하기 위해 예술을 만듭니다. 현재, 저는 웹 3.0에서 춤추는 방법, 메타버스에서 안무를 어떻게 만들 것인지, 무용과 3D 시뮬레이션 간의 관계에서 일으킨 혁명을 어떻게 재처리할 것인지와 관련된 몇 가지 구체적인 질문에 답하기 위해 예술을 창조합니다. 무용 예술가로서 이러한 질문에 대한 창의적인 대답을 찾기 위해 무용과 3D, NFT, 웹3 및 메타버스를 조율하여 고전적인 것과 현대적인 것 간의 대화를 촉발하며 예술과 무용의 미래에 대해 심사숙고합니다.
무용 언어를 애니메이션 및 3D 시뮬레이션 기술과 결합하여 매우 정교한 미학과 시각성과 함께 제작하는 작업은 디지털 아트의 맥락에서 독특하다고 생각합니다.
무용 경험이 몸과 움직임에 대한 독특하고 독점적인 기술을 제공합니다. 나름의 도전 중 하나는 최근까지 예술과 기술 간의 관계에서 디지털 환경에서 몸을 표현하는 것이었습니다. 그러나 우리는 이제 새로운 패러다임에 진입하고 있습니다. 즉, 가상 환경에서 몸의 현재화에 관한 것입니다. 정확히 여기에서 무용 예술가로서 나는 근본적이고 독특하며 독점적인 역할을 합니다. 무용은 몸이 공간-시간에서 어떻게 움직이고 상호작용하며 표현하고 나타내는지에 대한 데이터의 풍부한 출처입니다. 기술이 인간 몸의 행동을 모방하는 데 진전이 이루어짐에 따라 예술가는 몸에 감수성과 감정을 부여하며 시각화, 창조, 연출, 재상상 및 새로운 의미를 부여합니다.
“존재”라는 개념은 무용에서 기본적입니다. 이것은 살아 있고 유기적인 몸이 예술 작품의 지지체로서 다뤄지기 때문입니다. 이 존재를 달성하기 위해 무용수, 안무가 및 감독은 작품이 만들어지는 순간에 몸을 최신 상태로 유지하도록 하는 기술을 개발합니다. 이는 몸이 행동에 헌신되어 공간 및 자극과 연결되어 있는 상태를 의미합니다. 디지털 환경과 로봇의 맥락에서도 존재를 찾기 위한 노력이 있습니다. 이는 향상된 몰입과 상호작용을 가능하게 하기 위함이며, 그러나 이 환경에서의 몸은 다릅니다. 이들은 살, 뼈가 없습니다. 이들은 부드러우며 단단하고 플라스틱 몸, 픽셀, 기계, 아바타로 서로 다른 중력에 영향을 받으며 초연한 관절과 상호 침투를 갖추고 있습니다. 그러면서 질문이 나옵니다. 이러한 몸에 어떻게 존재감을 부여할 수 있을까요? 무용은 그 안무 논리를 통해 물리적인 존재의 모방에 특화된 접근법을 제공하며 디지털 및 로봇 몸에 대한 최신 및 반응형 훈련을 제공합니다. 이는 이 예술 언어의 기본 요소인 무게, 유동성, 속도, 초점 및 부피를 갖춘 디지털 및 로봇 몸을 생성합니다.
가상 환경에서 몸의 존재를 찾는 이러한 노력
은 메타버스에서의 관계와 기계와의 공존 방식의 미래와 밀접한 관련이 있습니다. 디지털과 물리적(피지탈) 간의 연결은 몸과 그 움직임에 대한 다양한 접근법을 요구할 것입니다. 무용의 기본 원리를 기술적 언어로 가져와 새로운 창의적 가능성을 생산하고 아트와 기술 모두에 대한 확장된 민주적 개념을 드러내려고 합니다.
내 작업과 연결된 독점적인 가치로써 수집가들의 관심을 끌 수 있는 것으로 믿습니다.
NFT는 예술을 만들고 유통 및 거래하는 새로운 방식입니다. 이것은 나에게와 나의 작업에 혁명을 일으켰습니다. 첫째, 3D 기술과 NFT로 예술적 창작물이 풍부해지는 것은 표현의 필수적 예술적 요구와 관련이 있으며, 사람들과 소통하고 세계에 존재하며 행동하며 창조하며 발표하며 비판하려는 삶에 대한 욕구입니다. 이는 무용이 그 전통적인 형태에서는 불가능하거나 아니면 물리적 및 대면 요소나 정치-경제적 여건 때문에 제한되거나 손상될 수 있기 때문입니다. 둘째, 나만의 것을 만들고 언제, 어디서, 누구에게 판매하고 얼마에 판매할지, 로열티를 정의하고 작품의 움직임을 모니터하며 후속 판매로 계속해서 수입을 받을 수 있는 기회는 예술가로서 나의 자아상을 해체하고 재구성하며 예술이 점차적으로 치워지는 현실에서 필요한 자기 결정력을 가져다 주는 것입니다. 실제로 이러한 기술은 나에게 많은 해를 거쳐 추구한 목표에 한 걸음 더 가까워지게 해 주었습니다. “나의 무용을 아마존 선반에 올리기”입니다. 이것은 상업적 목표보다는 주로 무대/퍼포머티브 무용을 대중화하고 관객을 형성하며 예술적 생산에 관련된 경제적 프로세스를 주도하기 위한 욕망입니다. 이러한 새로운 기술적 가능성으로 무용이 항목, 디지털 개체로 이해되고 운영될 수 있게 되면 이를 선반에 올려놓고 상품으로 마케팅하고 분배할 수 있는 가능성도 열립니다. 이것은 나의 환경에서 내 작품을 다양한 시장과 공동체에서 제작하고 판매하기 위해 기술을 사용하는 응용 중 하나입니다.
미래의 기술 발전에서 예술가들이 점점 중요하고 필수적인 역할을 할 것이라고 생각합니다. “상자 바깥을 생각한다”는 개념은 특히 혁신 분야에서 최근 몇 년 동안 가치 있게 여겨져 왔습니다. 예술가에게는 이 태도가 옵션이나 일시적인 전략이 아니라 모든 것의 시작점입니다. 예술가는 본질적으로 박스 바깥을 질문하는 자입니다. 다른 전문가와 달리 예술가는 상자를 떠나지 않아도 되지 않습니다. 왜냐하면 그는 그 자체로 박스 안에 있지 않았기 때문입니다. 그는 항상 가장자리에 있으며 중심 밖에 있으며 독특한 관점으로 세계를 바라보며 경계를 넘어 새로운 영역을 창조합니다.
예술가들은 현 상황을 뒤흔들고 정착된 규범-형태를 의문할 수 있는 능력을 가지고 있습니다. 다른 산업들이 문제를 해결하고 특정 제품을 개발하는 데 중점을 둘 때 예술가들은 이러한 솔루션의 목적과 기능에 도전합니다. 다양한 사고를 통해 혁명적인 아이디어와 대안적 세계의 탄생을 허용하여 탐험하고 상상할 수 있는 새로운 현실을 만듭니다. 이 새로운 비전을 프로그래밍함으로써 그들은 환경과 상호작용하고 자신의 현실을 어떻게 이해하는지에 영향을 미칩니다.
예술가는 현 상황을 뒤바꾸고 확립된 규범과 형식에 의문을 제기할 수 있는 능력을 지니고 있습니다. 다른 산업이 문제 해결과 구체적인 제품 개발에 주력하는 가운데 예술가는 이러한 해결책의 목적과 기능을 도전합니다. 다양한 사고를 통해 혁신적인 아이디어와 대안적 세계의 탄생을 허용함으로써, 다른 현실을 탐험하고 재상상합니다. 이 새로운 비전을 프로그래밍함으로써, 예술가들은 사람들이 환경과 자신의 현실을 어떻게 인식하고 상호 작용하는지에 영향을 미칩니다.
기술의 발전은 복잡한 윤리적, 사회적, 감정적 고려를 필요로 하는데, 예술가들은 민감하게 이에 대응할 수 있는 훈련을 받았습니다. 이는 기술적 기여를 더욱 인간적이고 포용적으로 만들어 내며, 프라이버시, 다양성, 공평성, 저작권, 지적 재산권 및 환경 영향과 같은 중요한 문제를 강조합니다. 이는 때로 진보를 추구함에 있어 간과되기 쉬운 부분들입니다.
나는 혁신적인 과정을 통한 새로운 작업을 위해 내 작업을 예술가로서 기술 개발의 협업적 맥락과 점점 더 가까워지는 것으로 보고 있습니다.
